█!!!ВНИМАНИЕ!!!█
Продаётся картина написанная маслом + лепка 30x40 сантиметров .
ЦЕНА - 500 гривен, возможен торг.
По всем вопросам сюда - тел. 0995155133 - 0501623952.Или писать ему - http://vk.com/serega_shapovalov
__________________________________________________________________________________________________________________________________
__________________________________________________________________________________________________________________________________
Я не понимаю современное искусство:
Продаётся картина написанная маслом + лепка 30x40 сантиметров .
ЦЕНА - 500 гривен, возможен торг.
По всем вопросам сюда - тел. 0995155133 - 0501623952.Или писать ему - http://vk.com/serega_shapovalov
__________________________________________________________________________________________________________________________________
__________________________________________________________________________________________________________________________________
Я не понимаю современное искусство:
«Ты так уродлив, что мог бы стать шедевром современного искусства». Стенли Кубрик
Знаете что? Мне надоело прикидываться. Я ходил в художественное училище, написал диссертацию об искусстве, раз в месяц на протяжении 5 лет посещал все новые выставки и даже что-то покупал там. Но сейчас я, наконец, готов признаться: я не въезжаю в современное искусство.
Можете считать меня деревенщиной, но я не понимаю, почему современное искусство должно быть странным и вызывать одновременно недоумение, гнев, приступы эпилепсии и потерю аппетита. И если передо мной монохромные квадратики и ромбы, у меня нет ни малейшего желания обсуждать их концептуальную составляющую, замысел автора и прочую муть. Давайте заглянем на выставку работ Трейси Эмин в галерее «Хэйворд» в Лондоне:
Можете считать меня деревенщиной, но я не понимаю, почему современное искусство должно быть странным и вызывать одновременно недоумение, гнев, приступы эпилепсии и потерю аппетита. И если передо мной монохромные квадратики и ромбы, у меня нет ни малейшего желания обсуждать их концептуальную составляющую, замысел автора и прочую муть. Давайте заглянем на выставку работ Трейси Эмин в галерее «Хэйворд» в Лондоне:
В течение трех минут эти ребята смотрят на фотографию сидящей на стуле незнакомой женщины. Представьте, как быстро они бы ее пролистали, увидев среди отпускных фотографий мамы! Понимаете о чем я?
Это видео идет целую минуту, и на нем происходит только то, что вы видите на фотографии: Трэйси скачет на лошади. В это время в комнате сидит куча людей, которые с серьезными лицами смотрят на экран, держась одной рукой за подбородок. Одна девушка даже в блокнот записывает! Вот бы и мне научиться концентрировать внимание на бесконечно долгих и абсолютно бесполезных вещах.
Я не понимаю, фильм действительно такой захватывающий, что можно с упорством смотреть его на крошечном экране сидя на стуле, который вот-вот развалится под тобой?
Вы что, издеваетесь? Трейси или кто-то другой, не важно, натирает свою вагину деньгами. Чтобы увидеть это, людям придется заплатить. И наверняка кто-то захочет купить! А кто давал ей уроки кадрирования?
«Черт побери, те, кто не понимает, как глубок смысл этой полки, заставленной никому не нужным барахлом, такие грубые и неотесанные». Представьте, что вы пытаетесь объяснить, о чем эта выставка, инопланетянину или человеку, попавшему к нам из Средневековья. Спорим, не получится?
Как гласит путеводитель по выставке, это один из тех экспонатов, «которые легко не заметить и пройти мимо — но надо понять его и уделить ему время». Лично мне, чтобы понять, нужно много времени.
Обзор экспонатов на «Art Basel Miami Beach», крупнейшей выставке современного искусства в мире.
Не принимая во внимание известную работу Казимира Малевича, я не понимаю людей, которые покупают это. К слову, сие черное пространство в рамке обойдется вам в 20 000 фунтов. Понятно, что многие вещи в нашей жизни сильно переоценены. Но давайте будем честными, этот бред не стоит таких денег.
Как художники вообще решают заниматься подобными вещами? Думается, коммерческий успех собратьев по ремеслу играет решающее значения: «Товарищ гребет деньги подобными картинками, а чем я хуже?»
Это лишь некоторые примеры того, как художники под эгидой современного искусства создают нечто, что искусством и не является, а ценители сомнительного творчества готовы искать смысл и в смятой бутылке пива, случайно поставленной на стол, при этом употребляя в своих оценках умные слова «экзистенциализм», «антиутопия» и «ретро-футуризм». Может самое время стать честными, и постараться ответить на вопрос:
Как это
__________________________________________________________________________________________________________________________________
__________________________________________________________________________________________________________________________________
Вы унылое говно, а не современный художник:
Вы унылое говно и плагиатор, а никакой не современный художник, если:
Выставляете предметы обихода, вещи с помоек, гнилые фрукты или иную хрень в рамочках или с табличками, «делая из них тем самым произведения искусства». Это делали миллион раз до вас.
Предлагаете «текст вместо картинки» — ну там пишете на листе бумаги «Здесь ничего не написано», «Против всех» или ещё что, остроумно заменяющее изображение. Это развлечение для начинающих дизайнеров. Исключение — надпись «То, что вы видите, не является произведением современного искусства», заверенная нотариально.
Используете в своих объектах рожи политических деятелей, поп-звёзд, порномоделей, совмещая лица с окладами икон, классическими картинами, абстрактными рисунками и тому подобными вещами. Этот приём придумали пляжные фотографы конца позапрошлого века.
Рисуете или как-то изображаете что-то, по вашему мнению, «шокирующее» (ну там, «осёл трахает младенца»). Всё это теперь вызывает или рвоту или зевоту.
Делаете предметы или изображения из кала, мочи, крови, спермы и денежных знаков. Это говно уже ели — и не по одному разу.
Используете знаки буквально. Ну там, кладёте рядом тушу барана, тушу быка, двух зародышей в банке, варёного рака, льва, труп монашки, и всё такое прочее, и называете это «Зодиаком». Этот приём ни разу не смешной и осточертел ещё до вашего рождения.
Рисуете страшного Микки-Мауса и смешного Ленина в платьице из свастик. Эти переодевалки в стиле «изобразим хорошее плохим и наоборот» достали, как всякий механический приём. Несмешно также изобразить зелёного урода и назвать его «Джиокондой». Это получилось один раз у гениального сумасшедшего хохла — и больше не получится. Ко всем остальным вариантам это тоже относится.
Пытаетесь взять масштабом, «больше значит круче» — ну там, красите здание в синий цвет, Эльбрус закутываете зелёным латексом, разбрасываете по всему городу миллион изображений Микки-Мауса. Во-первых, это уже делали, и тоже миллион раз. Во-вторых, в ходе этих экспериментов было установлено, что фигня, повторенная миллион раз или увеличенная в той же пропорции, становится Очень Большой Фигнёй, но фигнёй быть не перестаёт. И, в-третьих, оставьте эти приёмы рекламистам — это называется «агрессивный маркетинг» и «спам», а никакое не «современное искусство».
Оскорбляете чьи-то чувства, реальные или предполагаемые. Например, делаете 33 кучки дерьма разной консистенции и называете это «Возраст Христа» — а потом отбиваетесь от православной общественности, желающей вас накормить вашим же добром. Этот приём — назвать оскорбление «произведением искусства» — гнусен и пошл. Единственная ситуация, когда он представляет хоть какой-то интерес — когда оскорбляется кто-то по-настоящему опасный. Попробуйте насрать на могендовид в израильском музее современного искусства, или нарисовать карикатуру на пророка Мухаммеда. Но вообще-то, даже если вас за это порвут, событием в мировой культуре это не станет, и премия вам будет полагаться разве что Дарвиновская.
Показываете голую жопу, публично совокупляетесь и так далее. Это искусством не является, а называется мудрёным словом «эксгибиционизм». О нём читайте в справочнике по сексопатологии. Если вы при этом не возбуждаетесь, это всё равно не искусство. Пощадите веру в человечество.
Кушаете на публике говно, пьёте мочу, прижигаете себе соски сигаретами, отрезаете что-нибудь, и так далее. Это всё, конечно, круто, но искусством не является, а является самым обычным мазохизмом. Скажу более: даже если вы во имя последней искренности убьёте себя апстену, кровавый отпечаток на стене не будет представлять значительной художественной ценности.
Затрудняете зрителю доступ к своему творению — ну там, покрываете статую тряпкой, «чтоб щупали», даёте посмотреть картину в дырочку, «и чтоб непременно согнувшись». Это говноприём.
Предлагаете зрителю принять участие в создании или уничтожении предмета искусства, и называете это «перфомансом» (ну там, выставляете трафарет и предлагаете раскрасить, или к готовой картине усы подрисовать). Это банально и скучно.
Просто сообщаете всем, что вы гей (лесбиянка), и на одном этом основании требуете, чтобы вас немедленно признали современным художником или хотя бы дизайнером интерьеров. Раньше это прокатывало, но сейчас большая конкуренция, причём среди набежавших геев и лесбиянок есть и такие, которые и в самом деле умеют рисовать, ваять и дизайнерить интерьеры. Так что ловить тут больше нечего.
То же самое, если Вы сообщаете всем, что вы инвалид, борец с кровавой диктатурой, представитель национального или религиозного меньшинства, вымирающего племени и т.д. Тут конкуренция тоже немалая, и среди конкурентов — вполне полноценные художники.
Используете дешёвую символику, особенно числовую, политическую, а также религиозно и национально окрашенную. Например, берёте аллегорическую статуэтку, изображающую десятый месяц года — со славянским лицом и косой — и втыкаете в неё ровно тысячу девятьсот семнадцать булавок, а потом называете это «Октябрь 1917». Если непонятно, почему, почитайте словарь на букву «А» — про «аллегорию». Так вот, это, во-первых, не ново, а во-вторых, эти ваши современные аллегории почему-то нуждаются в длинных нудных расшифровках, а это уже достало.
Просто платите огромные деньги, заработанные на продаже водки/цветов/помидоров/китайских пуховиков или взятые у папы/мамы/любовника/любовницы, и начинаете бомбить несчастный мозг обывателя, появляясь без нужды каждые пять минут в телерадиоэфире и на обложках журналов, делясь творческими планами.
__________________________________________________________________________________________________________________________________
__________________________________________________________________________________________________________________________________
Выставка Ксении Нечитайло «На сломе веков». Живопись.
Размышления о настоящем и будущем России и судьбах современников отличают творчество известного живописца, члена-корреспондента Российской академии художеств Ксении Нечитайло. Ретроспективная выставка, приуроченная к юбилею мастера, охватывает более сорока лет творческого пути, начиная с рубежа 1960-70-х годов вплоть до сегодняшнего дня.
В центре вселенной Ксении Нечитайло – образ человека, трактованный правдиво и темпераментно, с истинно гуманистическим пафосом. Ее творчество пронизано стихией сопереживания, характерной для «искусства женского рода» в России на протяжении всего ХХ века, которая реализуется в мощной эмоциональной, чувственно-осязаемой живописной пластике. Именно так, на новом уровне осмысления, Нечитайло продолжает национальную традицию критического реализма. Вместе с тем произведения мастера, точно отражающие сегодняшние реалии, словно находятся над временем. Притчевое начало, очевидная связь искусства Ксении Нечитайло с народной стихией превращает ее картины в высказывания на «вечные темы», в которых автор с состраданием анализирует как образ современника, так и человеческую натуру в целом.
Уже в ранних картинах Нечитайло проявился ее дар монументалиста, к началу 1980-х полотна стали еще масштабнее и в то же время более лаконичными, почти лишенными бытовых подробностей. Нередко это одинокая фигура, поставленная на яркий или, напротив, нейтральный фон: таковы многие портреты, среди которых, представленные на выставке, «Красный автопортрет» и «Автопортрет в шубе», «Варька-студентка», «Вася», «Ожидание». В этом же ряду экспрессивная «Обгоревшая», которая отсылает к обширному кругу произведений мастера, пронизанных экзистенциалистским ощущением трагизма сегодняшней действительности.
Вступив на российскую арт-сцену в конце 1960-х, Ксения Нечитайло привнесла в живопись того времени свою особую личностную позицию, искренние, лирические и торжественные ноты. Среди ранних ее работ, вошедших в экспозицию, – ставшее знаковым для поколения «семидесятников» редко экспонируемое полотно «Воспоминание о революции» («Воспоминание о деде»), из фондов Государственной Третьяковской галереи.
Искусству живописи Ксении Нечитайло, присуща способность передавать эмоции с помощью чистой пластики. Характерные для нее игра с пространственными эффектами, дерзкое совмещение жанров, ассоциативность, соединение лирически-исповедальной интонации, идущей от традиции русского портрета, с экспрессивной манерой, иронией и гротеском поставили работы мастера в ряд выдающихся образцов отечественного искусства. Нечитайло работает в жанрах портрета, натюрморта, пейзажа, тематической композиции, смело преодолевая сюжетно-жанровые границы. Порой мастер «внедряет» автопортрет в жанровую сцену, словно оттеняя свою роль наблюдателя. Большинство картин несут глубокий символический подтекст, явный и в работах последних двух десятилетий.Вступив на российскую арт-сцену в конце 1960-х, Ксения Нечитайло привнесла в живопись того времени свою особую личностную позицию, искренние, лирические и торжественные ноты. Среди ранних ее работ, вошедших в экспозицию, – ставшее знаковым для поколения «семидесятников» редко экспонируемое полотно «Воспоминание о революции» («Воспоминание о деде»), из фондов Государственной Третьяковской галереи.
Искусству живописи Ксении Нечитайло, присуща способность передавать эмоции с помощью чистой пластики. Характерные для нее игра с пространственными эффектами, дерзкое совмещение жанров, ассоциативность, соединение лирически-исповедальной интонации, идущей от традиции русского портрета, с экспрессивной манерой, иронией и гротеском поставили работы мастера в ряд выдающихся образцов отечественного искусства. Нечитайло работает в жанрах портрета, натюрморта, пейзажа, тематической композиции, смело преодолевая сюжетно-жанровые границы. Порой мастер «внедряет» автопортрет в жанровую сцену, словно оттеняя свою роль наблюдателя. Большинство картин несут глубокий символический подтекст, явный и в работах последних двух десятилетий.
Ксении Нечитайло не свойственно стремление приукрашать своих персонажей. Чаще всего, запечатленные в гуще повседневности, они переданы реалистично, как на холсте «Рынок в Ялте», триптихе «Вологодские частушки». Содержательная сила личностного восприятия мира, отражается и в произведениях мастера, созданных в наши дни, где представлено извечное противоборство Красоты и стихии Зла, – гневно, с элементами гротеска, как, например, на метафорических холстах «Ворон», «Черная жаба», «Падальщики», «Флюгер».
Драматизм полотен, раскрывающих противоречивость бытия, соседствует с выражением цельного и радостного мировосприятия в целом ряде работ, посвященных семье и близким автора. Среди важнейших для Ксении Нечитайло – тема материнства и детства; моделями нередко становятся ее дочери и друзья, чьи портреты также вошли в экспозицию: «Натта Конышева», «Праздник. С днем рожденья!».
Ксения Нечитайло окончила Московский государственный художественный институт им.В.И.Сурикова в 1967 году, где училась у известных художников Алексея Грицая и Дмитрия Жилинского вместе с другими яркими представительницами в ту пору «молодежной», склонной разрушать прежние каноны живописи: Татьяной Назаренко, Натальей Нестеровой, Ириной Старженецкой. С 1969 года – член Московского союза художников, активная участница российских и международных выставок и симпозиумов. Произведения мастера хранятся в Русском музее, Третьяковской галерее, картинных галереях и музеях Вологды, Красноярска, Новокузнецка, Оренбурга, Перми и других городов России, в ряде музеев и частных собраний Германии, Голландии, США, Франции.
Экспозиция включает около 80 произведений из собрания автора и фондов Государственной Третьяковской галереи.
__________________________________________________________________________________________________________________________________
Барт Дорса. «Катя». Параллельная программа 55-й Венецианской биеннале.
В рамках Параллельной программы 55-й Венецианской биеннале Московский музей современного искусства представляет персональную выставку американского художника Барта Дорсы.
Проект «Катя» — это выставка серебряно-коллодиевых фотопластин и бронзовых скульптур, представленных в специально организованном темном пространстве. Он рассказывает личную историю русской девушки, случайно встреченной американским художником. Катя, главный персонаж выставки, воплощает в себе архетип мифического перепутья (crossroads) — заглавной темы в работах Дорсы.
Катя родилась на Дальнем Востоке в семье кондитера и электрика местного дома культуры. Когда ей было 3 года, родители расстались, а ее мать обратилась к религии и приняла постриг. Мать и дочь перебрались в монастырь и жили там, пока Кате не исполнилось 13 лет и они вместе не переехали в Москву. Обретя свободу в мегаполисе, Катя оказалась в среде экстремальной субкультуры, связанной с различными формами модификации тела.
Барт Дорса. Тело 1. Серия Кроссроудз 16, 2012 год. Серебряно-коллодиевая фотопластина. Размер работы 46,5 см х 30,1 см. Предоставлено Бартом Дорса.
Катин жизненный путь — 10 лет строгой монашеской жизни и последующее погружение в московский андеграунд — отражен на ее лице и теле. Запечатляя ее образы на стекле и в бронзе, Дорса схватывает топографию перепутья — мифического места, существующего «между мирами», и одновременно глубоко личным моментом в жизни, связанным с переходом от страдания к просветлению. Кажущиеся на первый взгляд одинаковыми, образы Кати, воспризводимые с одержимой повторяемостью, создают симфонический эффект. Язык тела говорит о балансировании на грани между провокативностью и ранимостью. Пронзительный психологический портрет героини является в то же время портретом автора.
Барт Дорса. Диптих 2. Серия Кроссроудз 3. 2012 год. Серебряно-коллодиевые фотопластины. Размер работы 122,5 см х 29 см. Предоставлено Бартом Дорса.
Выбор техники — коллодиевой фотографии — предопределен увлеченностью Барта мифологией американских индейцев, в особенности поверием, что фотограф может украсть душу, и его верой в уникальную выразительную способность коллодиевого процесса, его способность отражать тончайшие нюансы. Художника вдохновила мощная энергетика изображения, увиденного им в Национальном архиве США — это был выполненный на стеклянной пластине портрет человека, подозреваемого в убийстве Авраама Линкольна. Дорса отправился в Европу изучать старинную технику фотогрфии, и позже много эксперементировал с подбором камеры и объектива и изготавливаемыми вручную реактивами. Чтобы добиться желаемого эффекта Дорса постепенно отсекал лишние элементы, пока не решил совсем отказаться от камеры в пользу камеры-обскуры. Модель и автора, который держит пластину, разделяет только старинная оптика объектива — изображение напрямую «отпечатывается» на стекле.
Барт Дорса. Диптих Катя 7. 2012 год. Серебряно-коллодиевые фотопластины. Размер 93 см х 61,5 см. Предоставлено Бартом Дорса.
Создание фотопластины — это долгий и трудоемкий процесс. Многократно повторяемый, он становится своего рода ритуалом, особой формой творческой медитации. Художник сравнивает себя с провидцами из аллегории Платона: «Скованные цепями, они видели лишь тени на стене пещеры, которая была им тюрьмой. Именно так я вижу тени своего подсознания. Камера-обскура — моя пещера. Я прикован к ней, и, пытаясь поймать тени своего подсознания, я пристально всматриваюсь в изображения на пластине, отраженные от лиц и тел тех, кто проходит перед моим 160-летним объективом».
Барт Дорса. Бронза 11. Серия Кроссроудс 9. 2013 год. Бронза. Размер: 29см – 92,5см – 19,5см. Собственность автора.
Выставка Барта Дорсы в Венеции объединяет большое количество новых работ, созданных за последние 3 года. Бронзовые скульптуры, которые выставляются впервые, фактически являются продолжением фотографической техники. Они берут от фотографии способность воспроизводить объект и словно выходят из темной плоскости стеклянной пластины, чтобы обрести объем и телесность. Все права защищены ©
Комментариев нет:
Отправить комментарий